Celeste tra le stelle

Fin da bambina, Celeste sogna di esplorare il cosmo come sua madre Stella, astronauta scomparsa durante una missione. Dopo la sua morte, a crescerla è stato un fedele robot guardiano di prima generazione, che ha dedicato ogni suo circuito a farne una brillante scienziata. Quando la ragazza si diploma come Cadetto Spaziale e parte per la sua prima missione, sei mesi di esplorazione nel Sistema Luminel, il robot si ritrova solo sulla Terra. Privato della persona di cui si è preso cura per tutta la vita, cerca un nuovo scopo e si rifugia nei ricordi dell'infanzia di Celeste, mentre i suoi vecchi sistemi si avvicinano inesorabilmente a un guasto critico. Nello spazio, intanto, la ragazza si imbatte in una nuova specie di creature parassite, intenzionate a distruggerla. Proprio tra le misteriose piante del Sistema Luminel e i ricordi che ancora la legano al suo compagno di una vita potrebbe nascondersi la chiave per tornare a casa.

Il DJ e artista canadese Kid Koala porta sul grande schermo la propria graphic novel Space Cadet, dando vita a un'avventura spaziale interamente priva di dialoghi, in cui sono la musica e le immagini a farsi carico della narrazione. Dietro l'apparente semplicità di un racconto destinato ai più piccoli si nasconde una riflessione delicata su temi tutt'altro che infantili: non soltanto il desiderio di esplorazione e la scoperta dell'ignoto, ma anche l'elaborazione della perdita e del lutto. Attraverso un character design stilizzato, dai tratti infantili e dai colori pastello, Celeste tra le stelle accompagna la crescita della protagonista, raccontandone la caparbietà nel seguire le orme della madre e raccoglierne l'eredità. Non attraverso il dolore per la sua assenza, ma trasformando il ricordo in una spinta verso il futuro. È proprio questo il cuore emotivo del film: anche quando il robot che ha fatto le veci della madre non sarà più al suo fianco, resterà ciò che hanno condiviso. Perché i legami più importanti non si misurano dalla loro durata, ma dalla capacità di continuare a vivere nei ricordi.

5 More Minutes

Toni e Bárbara sono una coppia sull'orlo della rottura e decidono di trascorrere un fine settimana in una casa isolata nella campagna spagnola, nella speranza di salvare il matrimonio. Ad accoglierli è Carlos, eccentrico rappresentante dell'agenzia immobiliare, che li accompagna nella visita della proprietà appoggiandosi a un bastone e consegna loro le chiavi. Prima che possa andarsene, però, accade qualcosa di inspiegabile: il tempo torna indietro di cinque minuti. E poi ancora, e ancora. L'intero universo è precipitato in un loop temporale: gli ultimi cinque minuti della vita di tutti si ripetono all'infinito, come la puntina di un giradischi inceppato, mentre ogni tentativo di cambiare il corso degli eventi si trasforma in un nuovo disastro. Intrappolati nella casa insieme a uno sconosciuto, mentre fuori il mondo sembra avviarsi verso l'apocalisse, Toni e Bárbara saranno costretti ad affrontare le crepe del loro rapporto. Senza possibilità di fuga, nemmeno dal tempo.

Scritto dalla star della commedia spagnola Berto Romero e diretto da Javier Ruiz Caldera, già regista del successo Wolfgang, 5 More Minutes è una dark comedy che mescola thriller, fantastico e horror, sostenuta da un ritmo serrato. Nel filmato di presentazione al Trieste Science+Fiction Festival, il regista ha scherzato con il pubblico chiedendosi come fosse possibile ridere davanti a una storia popolata da persone orribili, capaci di compiere gesti tremendi. La risposta sta proprio nell'intuizione più riuscita del film: trasformare una coppia qualunque, alle prese con le piccole miserie della vita borghese, in due individui disposti a qualsiasi nefandezza pur di sopravvivere. Caldera si diverte a mettere a nudo l'egoismo dei protagonisti, costruendo una galleria di comportamenti meschini e reazioni sempre più grottesche. Toni e Bárbara sono insopportabili, incapaci di empatia e pronti a trovare una giustificazione per ogni loro azione. Il loro orizzonte morale non va oltre il giardino di casa: se per salvarsi il resto del mondo deve bruciare, pazienza.

Freaks Part II

Diversi anni dopo la drammatica fuga raccontata nel primo film, Mary e sua figlia Chloe vivono da nomadi, spostandosi continuamente per sfuggire all'Abnormal Defence Force, un corpo paramilitare che considera i «freaks» fuorilegge da eliminare a vista. Mary è consumata dalla sete di vendetta e vuole trovare a ogni costo Erica Lang, l'ufficiale dell'ADF che le ha sottratto il figlio appena nato nel tentativo di mettere le mani su Chloe e che nel frattempo è diventata una figura di spicco del movimento. La ragazza, intanto, è cresciuta ed è diventata una ragazzina precoce e potentissima, capace di manipolare le menti e proiettarsi ovunque desideri. Ma, al di là dei suoi straordinari poteri, Chloe vorrebbe soltanto condurre una vita normale e frequentare ragazzi della sua età. Un desiderio che finirà per scatenare il caos, mentre l'ossessione vendicativa della madre le impedisce di comprendere di che cosa abbia davvero bisogno.

Dopo aver conquistato il premio Asteroide al Trieste Science+Fiction Festival del 2018 con Freaks e aver firmato il successo commerciale di Final Destination Bloodlines, Zach Lipovsky e Adam Stein tornano alle origini, recuperando l'universo dei mutanti da cui era partita la loro carriera. Il risultato è un sequel più cupo, violento e ambizioso del predecessore, che amplia considerevolmente il mondo narrativo e trasforma il racconto in una sorta di X-Men declinato in chiave horror, tra superpoteri, corpi martoriati ed effetti gore. L'ambizione, tuttavia, non sempre trova un corrispettivo nella realizzazione. La trama procede lungo binari piuttosto prevedibili, fino a una rivelazione finale che non riserva particolari sorprese, mentre la messa in scena risente di risorse produttive evidentemente limitate rispetto alla portata dello spettacolo che vorrebbe mettere in piedi. Nonostante questi limiti, il film mantiene un buon ritmo e riesce a intrattenere, lasciando aperta, con l'epilogo, la strada a un possibile terzo capitolo.

Home Bodies

Red e Blue sono due fratelli gemelli cresciuti in completo isolamento all'interno di una casa automatizzata, una sorta di incrocio tra un bunker e un appartamento rimasto fermo agli anni Ottanta, dove il frigorifero si riempie da solo e la spazzatura scompare a comando. Le loro giornate scorrono scandite da regole ferree, cereali, orari prestabiliti e videocassette di Barn, un programma per bambini con protagonisti dei pupazzi, dal quale hanno appreso tutto ciò che sanno del mondo. A governare la loro esistenza è «Papa», una misteriosa voce che proviene da dietro una porta chiusa e che non si mostra mai. La mattina di Natale, però, sotto l'albero trovano un regalo decisamente insolito: una sconosciuta muta di nome Pal, della quale dovranno prendersi cura. Red la accoglie immediatamente come una nuova amica, mentre Blue, già punito in passato per aver trasgredito le regole, la considera una minaccia all'ordine domestico. L'arrivo della ragazza incrina così il fragile equilibrio tra i due fratelli e porta con sé i primi indizi di un mondo esterno molto più oscuro, costringendoli a interrogarsi sulla vera identità di Papa e sulla propria stessa natura.

Mentre era impegnato nella lunga e complessa post-produzione di Ithaqua, il suo nuovo horror targato Hammer, Casey Walker, già produttore di The Void e In a Violent Nature, ha trovato il tempo di girare Home Bodies, una produzione a bassissimo budget ambientata interamente in un appartamento e con appena tre attori. Il punto di partenza ricorda The Cube: uno spazio chiuso, apparentemente autosufficiente, oltre il quale si cela qualcosa di misterioso e potenzialmente minaccioso. Ma l'elemento più interessante del film è il modo in cui i due protagonisti reagiscono alla possibilità di scoprire cosa esista al di là della loro realtà. Red, annoiata dalla routine, accoglie Pal come un'occasione per rompere la monotonia ed è pronta ad avventurarsi nell'ignoto; Blue, al contrario, percepisce ogni cambiamento come una minaccia e si aggrappa disperatamente al vecchio ordine delle cose. Un dualismo che avrebbe potuto diventare il punto di partenza per una riflessione più ampia sulla paura del cambiamento, sul bisogno di protezione e sulla difficoltà di confrontarsi con ciò che non si conosce. Walker, invece, preferisce affidarsi ai meccanismi più convenzionali del thriller psicologico, costruendo un racconto che vive soprattutto in funzione della rivelazione conclusiva. Il problema è che il colpo di scena, anziché illuminare retroattivamente quanto visto, finisce per risultare prevedibile e lasciare insoddisfatti. Un'occasione parzialmente mancata, soprattutto considerando le potenzialità dell'idea di partenza.

You Are the Film

Madoka è una giovane drammaturga di Shimokitazawa e la sua piccola compagnia teatrale è in difficoltà: due attori, infatti, l'abbandonano proprio alla vigilia del debutto. Kazuma è invece il frontman di una band di Sangenjaya che non riesce a decollare e che sembra ormai sul punto di sciogliersi. Su consiglio di qualcuno, entrambi decidono di trascorrere un po' di tempo al Tollywood, un minuscolo cinema indipendente, per distrarsi con un film. Sullo schermo, però, accade qualcosa di inspiegabile: ciascuno si ritrova a osservare la vita dell'altro. Madoka assiste alle vicende di Kazuma, mentre quest'ultimo, entrato in sala a proiezione già iniziata, si ritrova a fissare Madoka, seduta proprio al suo stesso posto. In questo improbabile multiverso cinematografico, i due scoprono di poter comunicare attraverso lo schermo e iniziano a collaborare per risolvere i problemi delle rispettive esistenze.

Makoto Ueda, fondatore della compagnia teatrale Europe Kikaku e sceneggiatore di Beyond the Infinite Two Minutes e River, debutta alla regia con You Are the Film, un'opera che, forte di una durata di poco superiore all'ora, assomiglia più a un mediometraggio che a un lungometraggio vero e proprio. L'esperimento, però, è davvero divertente. Non soltanto perché le vicende dei protagonisti finiscono per trasformarsi in assurde avventure da cinema di serie B, ma soprattutto per l'abilità con cui Ueda sfrutta il linguaggio cinematografico per mettere in comunicazione i due universi. Piani sequenza, zoom in avanti e carrellate diventano lo sguardo dei protagonisti, che possono così individuare sullo schermo dettagli della vita dell'altro e sfruttarli per trovare una via d'uscita dai rispettivi guai. Il tutto si svolge in una manciata di ambienti di un minuscolo quartiere, senza che la limitatezza degli spazi diventi mai un ostacolo alla fantasia del racconto. Nonostante l'intreccio possa sembrare complicatissimo, You Are the Film riesce a gestire con grande disinvoltura il continuo passaggio da un universo all'altro, mantenendo la narrazione sempre chiara e comprensibile. La brevità, probabilmente, aiuta a non disperdere la brillante intuizione di partenza, ma lascia anche un pizzico di rammarico: il gioco è così riuscito che sarebbe stato bello vederlo proseguire ancora un po'.