Colony

Kwon Se-jeong, professoressa di biotecnologia, partecipa alla presentazione di un nuovo prodotto della Chains Bio in un grattacielo nel centro di Seoul. L'evento si trasforma in una catastrofe quando un virus a rapidissima mutazione viene liberato accidentalmente e, nel giro di pochi minuti, contagia quasi tutti i presenti. Gli infetti subiscono profonde trasformazioni fisiche e comportamentali, fino a perdere la propria individualità e agire come un'unica colonia, sempre più coordinata e letale. Le autorità sigillano l'edificio, trasformandolo in una zona rossa. All'interno rimangono Se-jeong e un piccolo gruppo di superstiti, costretti a fare i conti non solo con la minaccia esterna, ma anche con la paura e la diffidenza reciproca. Per sopravvivere dovranno comprendere il funzionamento del contagio prima che la colonia si evolva ulteriormente, in una disperata corsa contro il tempo.

Dopo Train to Busan e Peninsula, il regista coreano Yeon Sang-ho torna a confrontarsi con l'immaginario apocalittico di contagi e zombi in Colony, presentato al 79° Festival di Cannes. Gli ingredienti del genere ci sono tutti: virus incontrollabili, trasformazioni corporee repellenti e creature che perdono la propria identità individuale per diventare parte di un gigantesco alveare collettivo. Non ci si aspetta certo che una pellicola di questo tipo riservi particolari sorprese sul piano narrativo, e infatti Yeon Sang-ho non cerca di reinventare le regole del gioco. La tensione procede lungo un binario collaudato, alternando momenti di prevedibilità a improvvise accelerazioni, senza perdere mai di vista lo spettacolo. È però soprattutto nella messa in scena che Colony dimostra le proprie qualità migliori. La rappresentazione degli infetti, affidata anche a stuntman dalle notevoli capacità fisiche, è particolarmente efficace: i corpi si contorcono, si fondono e si aggregano dando vita a composizioni mostruose che ricordano, per impatto visivo, l'immaginario di Resident Evil. A questo si aggiungono sequenze d'azione costruite con grande mestiere, capaci di mantenere alta la tensione anche quando gli sviluppi della storia sono facilmente intuibili. Yeon Sang-ho dimostra ancora una volta di sapere come orchestrare lo spettacolo, trasformando una storia tutt'altro che originale in un'esperienza adrenalinica.

DreamQuil

In un futuro non troppo lontano, in cui l'inquinamento atmosferico ha raggiunto livelli tali da costringere le persone a vivere quasi esclusivamente in ambienti virtuali, Carol è una madre in carriera profondamente insoddisfatta. Il suo matrimonio con Gary è in crisi e anche il rapporto con il figlio si fa sempre più difficile. Terrorizzata dall'idea del divorzio e soffocata da una routine domestica che la logora giorno dopo giorno, coglie al volo l'occasione di rimettere in sesto la propria vita iscrivendosi a DreamQuil, un esclusivo ritiro benessere digitale della durata di una settimana. Senza preoccuparsi di leggere le condizioni contrattuali, firma e parte. Durante la sua assenza, però, la multinazionale che gestisce il programma invia a casa Carol 2, un androide identico a lei incaricato di sostituirla nella vita familiare. Al suo ritorno, Carol scopre con sgomento che il marito e il figlio sembrano preferire la copia all'originale. Comincia così un percorso sempre più inquietante, tra sospetti, paranoia e la sensazione di essere diventata un'estranea nella propria casa.

DreamQuil di Alex Prager aveva tutte le carte in regola per affrontare un tema interessante e attuale: la condizione di una donna intrappolata nelle aspettative sociali e familiari legate al ruolo di madre e moglie. Carol si sente inadeguata perché ha imparato a mettere le esigenze della famiglia davanti ai propri desideri, arrivando a considerarli quasi una colpa. Le ambizioni professionali devono lasciare spazio alla preparazione della colazione per il figlio e alle attenzioni da riservare al marito, che da lei si aspettano una disponibilità pressoché totale. Non a caso, entrambi sembrano trovare nella sua sostituta artificiale una versione decisamente più funzionale della donna: una copia perfetta, incapace di sviluppare desideri autonomi o di mettere in discussione il proprio ruolo. È proprio qui che il film trova il suo spunto più interessante, nella sostituzione di una persona con la versione idealizzata che gli altri vorrebbero avere accanto. Peccato che Alex Prager non abbia fiducia nella forza di questa intuizione e senta il bisogno di prolungare il racconto ben oltre il necessario. Quello che avrebbe potuto essere un efficace ritratto della progressiva cancellazione dell'identità femminile si perde così in un susseguirsi di doppi e tripli finali, che moltiplicano le svolte narrative senza aggiungere reale profondità. Il risultato è un film che finisce per confondere le proprie intenzioni, disperdendo proprio quel potenziale critico che ne costituiva il punto di forza.

Rain Catcher

In una Londra notturna e battuta dalla pioggia, Miles, fotografo solitario e voyeur instancabile, si aggira per le strade della città immortalando di nascosto gli angoli più degradati e le figure inquietanti che li popolano. I suoi sono ritratti crudi e impietosi dell'umanità più fragile della metropoli, immagini rubate che pubblica sui social network con lo pseudonimo di Rain Catcher e che gli procurano un crescente successo, fino a renderlo una figura apprezzata anche negli ambienti dell'alta cultura. La sua vita, però, comincia a prendere una piega inquietante quando nelle fotografie compare ripetutamente una donna misteriosa, che sembra seguirlo ovunque e che, scatto dopo scatto, inizia a sabotare la sua esistenza. Mentre crollano uno dopo l'altro i pilastri della sua vita, dall'identità online alla carriera, fino alla sua stessa incolumità, Miles intraprende un'indagine ostinata con l'aiuto di Yumi, una vicina magnetica e intraprendente. Il suo obiettivo è scoprire chi sia la misteriosa inseguitrice e che cosa voglia da lui, ma la ricerca lo trascina in una spirale paranoica in cui il confine tra realtà e percezione si fa sempre più labile.

Presente in sala durante la proiezione, Michele Fiascaris ha descritto Rain Catcher come un incontro tra creatività italiana, per quanto riguarda la storia e la regia, e maestranze e ambientazione londinesi. Il risultato è un thriller dalla forte identità visiva, girato interamente nella capitale inglese e ambientato tra complessi brutalisti dalle architetture suggestive, che contribuiscono a conferire alla pellicola un respiro fantascientifico, nonostante non venga mai precisato l'anno in cui si svolgono gli eventi. La fotografia fredda e l'ambientazione quasi costantemente notturna costruiscono un'atmosfera cupa e straniante, perfettamente funzionale a una storia che mescola voyeurismo, arte e ossessione. Al centro del racconto si nasconde una questione morale tutt'altro che secondaria: fino a che punto è lecito appropriarsi della sofferenza altrui e trasformarla in uno strumento per il proprio successo? Un interrogativo interessante, che avrebbe meritato maggiore spazio e approfondimento. Purtroppo, il film finisce per abbandonare progressivamente questa riflessione, lasciando che l'intrigo prenda il sopravvento. La componente thriller si impone così sulla dimensione più ambigua e stimolante del racconto, conducendo a un epilogo decisamente telefonato, che fatica a sorprendere lo spettatore. Resta una pellicola visivamente intrigante, ma meno incisiva di quanto le sue premesse lasciassero sperare.

Exit 8

Un giovane precario, identificato semplicemente come «l'uomo smarrito», sta andando al lavoro sulla metropolitana di Tokyo, affollata come ogni mattina. Durante il tragitto assiste alla scena di un passeggero che inveisce contro una madre incapace di calmare il figlio che piange, senza però intervenire. Una volta sceso dal treno, riceve la telefonata dell'ex fidanzata, che gli annuncia di essere incinta. Ancora scosso dalla notizia, si ritrova improvvisamente intrappolato in un corridoio sotterraneo asettico e apparentemente infinito, dal quale sembra esserci una sola via di fuga: l'uscita 8. Le regole per raggiungerla sono semplici: prestare attenzione a qualsiasi anomalia, tornare immediatamente indietro se si nota qualcosa di insolito e proseguire soltanto quando tutto appare normale. Soprattutto, bisogna ricordare che ogni errore riporta al punto di partenza. Tra cartelli che cambiano, porte che compaiono dal nulla e un misterioso uomo che gli cammina incontro ripetendo sempre gli stessi gesti, il protagonista si ritrova coinvolto in un labirinto che mette alla prova la sua percezione della realtà e la sua stessa coscienza. Ogni nuovo tentativo di fuga lo costringe infatti a confrontarsi con le proprie paure, prima fra tutte quella di diventare padre.

Tratto dall'omonimo videogioco del 2023, Exit 8, scritto e diretto da Genki Kawamura, è un interessante esercizio di tensione psicologica che rielabora le suggestioni del materiale originale attraverso un immaginario cinematografico ben riconoscibile. Le geometrie impossibili di Escher, il loop temporale di Ricomincio da capo e le prospettive claustrofobiche dell'Overlook Hotel di Shining si fondono in un incubo minimalista, nel quale la ripetizione della quotidianità si trasforma progressivamente in una trappola esistenziale. Rispetto al videogioco, Kawamura introduce una caratterizzazione più approfondita del protagonista, legando la sua prigionia al tema della responsabilità e alla prospettiva di diventare padre. Il labirinto non è quindi soltanto un meccanismo ludico da decifrare, ma diventa la rappresentazione di una condizione psicologica: quella di chi, di fronte a un cambiamento inevitabile, preferisce rifugiarsi in una rassicurante immobilità piuttosto che assumersi il rischio di andare avanti. Il loop assume così un significato metaforico, diventando la manifestazione di una prigionia che il protagonista, in fondo, ha costruito anche attraverso le proprie scelte e le proprie omissioni. Di fronte a un bivio, le possibilità sono due: continuare a ripetere gli stessi comportamenti, evitando di affrontare le proprie responsabilità, oppure trovare il coraggio di cambiare, accettare le conseguenze delle proprie azioni e provare a maturare. È in questa trasformazione di un semplice videogioco in una riflessione sulla difficoltà di crescere e assumersi le proprie responsabilità che Exit 8 trova la sua dimensione più interessante.