Trentatré anni, quattro lungometraggi e una designazione che non si aspettava nessuno, nemmeno lui: L’estranea, presentato all’83ª Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia, è il film scelto per rappresentare l’Italia nella corsa all’Oscar per il miglior film internazionale. Paolo Strippoli, già autore di A Classic Horror Story, Piove e La valle dei sorrisi, è stato tra gli ospiti più attesi della 26ª edizione del Trieste Science+Fiction Festival. Qui ha presieduto la giuria internazionale del Premio Asteroide e tenuto la masterclass Nuovi incubi italiani, oltre a concedere un'intervista a Simone Soranna.

Come funziona una campagna Oscar? Non capita tutti i giorni di poterlo chiedere.

Servono tanti soldi e tanto tempo, e noi non abbiamo né gli uni né l’altro. Il prossimo obiettivo è entrare nella shortlist dei quindici film, per poi arrivare alla cinquina. Adesso partirò per diverse tappe in giro per il mondo, con proiezioni speciali dedicate ai votanti. È un'esperienza bellissima, ma dobbiamo fare tutto in un mese, affrontando ore e ore di aereo: è come essere in missione.

Nei tuoi film racconti personaggi che perdono il controllo e si ritrovano a vivere un'altra relazione, un'altra vita, un'altra società. Stai cercando di scardinare le strutture del racconto tradizionale?

Forse. Ma per farlo serve anche un po' di calcolo: bisogna sapere come rompere le regole del genere. Il mio non è un gioco cinematografico, ma un modo di raccontare storie libero da un'etichetta precisa. Oggi una storia deve essere raccontata attraverso un mix di generi, senza necessariamente appartenere a uno soltanto. Non parto, però, da un'idea cinematografica predefinita quando sviluppo i miei progetti.

Quindi parti dalla storia: hai qualcosa da raccontare e poi la sviluppi.

Sì, è una sorta di esorcismo attraverso il cinema. Prendo qualcosa che ho dentro e lo porto alla luce. Mi diverte mettere in un racconto cinematografico le cose che mi fanno paura o che mi rendono fragile. È un grande privilegio poter parlare di ciò che ci spaventa e racchiuderlo in quella teca meravigliosa che è il cinema: mi permette di guardare le cose con maggiore chiarezza.

È quello che fanno anche i tuoi personaggi?

È quello che facciamo tutti. Viviamo in un mondo caotico e cerchiamo di dargli un ordine. I miei personaggi fanno lo stesso, ma spesso sbagliano: cadono nei tranelli più comuni e proprio questo meccanismo genera l'orrore.

Quanto è difficile fare cinema di genere oggi in Italia? Bisogna ancora convincere qualcuno della sua legittimità o esiste finalmente un maggiore margine d'azione?

Fino a dieci o quindici anni fa l'horror era considerato un genere funzionale esclusivamente a suscitare paura; oggi, invece, sembra essere stato nobilitato. Secondo me non è così: è sempre stato uno strumento per raccontare altro, qualcosa che convive con la paura, ma quest'ultima non è mai stata il suo unico fine. In Italia siamo stati grandi maestri, soprattutto nel giallo, perché c'è stato un momento in cui una generazione di autori e critici ha cominciato a leggere il genere come una forma di cinema nobile, capace di raccontare ciò che si nasconde sotto la superficie. Poi, negli anni Novanta, il nostro cinema si è aggrappato al realismo e il fantastico è diventato impraticabile. Il mercato si è progressivamente ridotto e il pubblico ha perso l'abitudine di andare al cinema per vedere questo tipo di storie. Si sono prodotti pochi film, quella linea culturale si è interrotta e si è eretto un muro. Di conseguenza, i nostri film di genere hanno cominciato a sembrare imitazioni, per di più brutte, di un cinema straniero che non ci appartiene.

Oggi possiamo dire che quel muro si è assottigliato, ma è ancora lì. Cadrà quando verrà meno l'idea che si tratti di un cinema di nicchia e riusciremo a portare in sala più film fantastici italiani ogni anno. Il muro non si abbatte soltanto con la qualità, ma anche con la quantità. Io sono fortunato: L'estranea è un film in cui qualcuno ha creduto e che ha ottenuto buoni risultati al botteghino. Spero che questo possa aiutare altri progetti e garantire loro vere distribuzioni in sala.

Da spettatore, quali sono stati i tuoi autori di riferimento e chi segui oggi?

Sono uno spettatore onnivoro. Amo molto Laura Samani, Roberto De Feo e Roberto Zampaglione. Abbiamo diversi registi che lavorano con il fantastico e, al di là dei risultati, la cosa bella è che esiste una certa varietà di approcci. Quello che manca è la fiducia del sistema. A me piace vedere un horror in cui si parla italiano e che sia ambientato nel nostro Paese.

Cerco comunque di vedere un film al giorno: spesso lo guardo all'una di notte e poi, quando sono a casa, dormo cinque ore. Provo inoltre ad andare al cinema almeno tre volte a settimana. L'horror, peraltro, non è nemmeno il genere che guardo di più. Se fai questo mestiere non puoi restare fuori dal mondo e ignorare quello che arriva nelle sale: devi osservare ciò che accade nel tuo stesso ambiente creativo.

Lavori con un genere che, per definizione, cerca di suscitare paura. Ti interroghi su come spaventare il pubblico?

Io non voglio spaventare: spaventare mi annoia. Quando vado al cinema da spettatore, mi piace essere scosso, inquietato, disturbato. Per me l'horror ha soprattutto questo potere, più che quello di far saltare sulla sedia. Quando vai al cinema non dovresti uscirne esattamente come sei entrato: puoi anche provare fastidio, non necessariamente qualcosa di positivo. L'unico vero fallimento, il segno che non hai fatto il tuo mestiere, è che lo spettatore esca dalla sala identico a prima.

Per questo mi spaventa un cinema che funziona soltanto per la durata del film. Se esci dalla sala con una cicatrice, allora puoi dire che il biglietto è valso il suo prezzo.

In Piove un agente esterno fa emergere problemi che appartengono alla sfera interiore dei personaggi. Il cinema dovrebbe essere, a sua volta, un agente esterno capace di metterci in difficoltà?

Sì, è questo il senso dell'arte. Dovremmo confrontarci con opere che ci mettano un po' in discussione. Il puro intrattenimento va benissimo, ma non può esserci soltanto quello. L'essere umano, finché è vivo, deve continuare a cambiare, anche solo un po'. L'opera d'arte rappresenta un cambiamento dolce, soprattutto se confrontato con quello violento che spesso ci impone la vita.

Nuovi incubi italiani è il titolo di questo incontro. Qual è, secondo te, il nuovo incubo italiano?

Non è qualcosa di specificamente italiano, riguarda piuttosto la direzione che hanno preso le cose. Mi sento soffocato dalle immagini. Sono perennemente online, non tanto sui social quanto in rete, e tutto quello che mi viene rovesciato addosso dalle notizie e dall'informazione mi soffoca, spegnendo la mia capacità di immaginare il futuro.

Nonostante questo sia per me un momento bello, faccio fatica a essere ottimista nei confronti del mondo. Credo che esista un'educazione sistematica al pessimismo: tutto va male e non può che andare peggio. Ogni possibilità di immaginare un futuro viene costantemente negata e non so come uscirne. È come se stessimo imparando a sognare sempre meno. Penso che tutto questo sia sistematico perché conviene a chi sta sopra di noi. Ecco, questo è il mio nuovo incubo.

Parliamo di musica: quanto ti piace essere coinvolto nella sua realizzazione? Il tuo approccio è cambiato da un film all'altro, anche in relazione alle scelte musicali?

È una delle fasi più difficili dell'intero processo creativo, perché non conosco il linguaggio musicale. Sul set sono sicuro di me, ma quando comincia il lavoro con il compositore mi sento ignorante: della musica sono soltanto un fruitore. Ne ho parlato con molti colleghi e, alla fine, il trucco sta nell'accettare la propria ignoranza. Non devi conoscere la musica, devi sapere che cosa vuoi. È la fase in cui torno bambino, perché comincio a esprimermi in modo estremamente generico. Il lavoro funziona se il compositore ha pazienza. Mi sono trovato bene con tutti i compositori dei miei film, ma le esperienze migliori le ho avute con quelli che non parlavano italiano. La barriera linguistica aiuta: semplifica le cose e rende il lavoro più istintivo, più di pancia.

Quali sono le pietre miliari dell'horror che hanno segnato il tuo percorso?

Penso soprattutto ai film che hanno avuto un significato per me, che mi hanno fatto crescere. Kairo di Kiyoshi Kurosawa, per esempio. L'ho visto a tredici anni, convinto di andare a vedere Pulse, il remake americano. All'inizio mi aveva dato molto fastidio, perché mi aveva fatto un male cane: è un film dolorosissimo, nel quale ho percepito il vuoto per la prima volta. Quando sono riuscito a riempire quel vuoto, ho capito che cosa poteva fare il cinema horror e mi sono sentito profondamente bene. Aveva avuto una funzione terapeutica.

Poi c'è Lasciami entrare, un film che non avevo capito subito e che oggi avrei voluto realizzare io: riesce a unire tenerezza e violenza senza compromessi. E infine L'esorcista, che mi ha trasmesso una sensazione simile a quella di Kairo. La prima ora mi ha sempre fatto molta paura, perché è proprio nel momento di massima fragilità che ci si ritrova a confrontarsi con il diavolo. Soprattutto attraverso la fragilità della madre.

Sono tutti film che mi hanno aiutato a capire che cosa amo del cinema, e non ha mai a che fare soltanto con la paura. Per me l'horror è stato curativo: mi ha fatto stare bene. L'unico modo che ho per ringraziarlo è provare a fare lo stesso con i miei film.